Le point de vue d’Alain Duault : Un crépuscule scénique et une aurore vocale à l'Opéra de Paris

© Herwig Prammer / OnP

Le Crépuscule des dieux, le dernier volet du Ring de Wagner est tout à la fois une continuité et un renouveau : continuité et confirmation de l’inanité de la mise en scène de Calixto Bieito, dans des décors assez uniformément laids et hors de propos de Rebecca Ringst, et des costumes qui oscillent entre l’agressivement moche et le n’importe quoi. Pourquoi Calixto Bieito et son équipe ont-ils accepté de s’engager dans ce vaste massif théâtral du Ring s’ils ne s’y intéressaient pas, s’ils n’avaient rien à en dire ?

On absoudra l’actuel directeur de l’Opéra de Paris, Alexander Neef, de cette aberration car, il faut le savoir, le choix de Calixto Bieito a été fait, avant son arrivée, par le précédent directeur, Stéphane Lissner : c’est donc un héritage empoisonné qu’il a reçu, comme un train fou lancé à toute allure vers le naufrage, sa seule marge de correction étant le choix des interprètes et, de ce point de vue, la balance vocale rééquilibre le spectacle. Mais doit-on venir à l’Opéra pour y fermer les yeux ?

Car à aucun moment l’œil n’a de quoi se satisfaire, entre un plateau à peu près noir dans le Prélude, encombré simplement d’une curieuse machine qui tient du laminoir ou de la machine à spaghettis noirs autour de laquelle les Nornes racontent les épisodes précédents, ou, au 1^er acte une sorte de table de conseil d’administration autour de laquelle les Gibichungen élaborent un plan pour tromper Siegfried afin de lui voler le trésor du Nibelung, la direction d’acteurs se résumant à monter sur la table ou se rouler par terre. L’arrivée de Siegfried, un seau à la main d’où émerge un bâton à tête de cheval, tel un jouet d’enfant, manque totalement de tout, poésie, émerveillement, empathie, dans la continuité de ce vide dramaturgique. Et la scène du retour de Waltraute vers sa sœur, pour l’implorer de rendre l’anneau au Rhin afin que les dieux ne dépérissent, atteint le grotesque avec l’image d’une walkyrie irradiée, le corps déjà rongé et agité de tremblements irrépressibles en totale contradiction avec la noblesse constitutive du personnage. Et les 2^e et 3^e actes n’apportent guère de répit à ce naufrage visuel, à ce fatras d’images sans rapport avec le livret de Wagner, la table de conseil d’administration demeurant la seule constante de cette absence de vision, de ce refus de toute esthétique et de cette paresse intellectuelle, dont l’accumulation de vidéos ou de morphing projetés sur un grand écran en fond de scène ne signifient à peu près rien, en tout cas rien qui vienne nourrir le propos wagnérien et lui offrir un sens pour aujourd’hui. Un des sommets de ce total mépris du texte est atteint au début du 3^e acte quand la scène des Filles du Rhin s’ébattant en regrettant la disparition de l’Or devient une sorte de ballet énigmatique des nymphes, en costumes de bourgeoises endimanchées, bijoutées, en gants blancs, déployant une nappe blanche sur la table de conseil d’administration, puis l’ornant de chandeliers et autres accessoires : une ineptie totale ! La sanction du public au moment des saluts est unanime comme rarement : pas un spectateur pour défendre Calixto Bieito et son équipe, accueillis par une bronca ô combien méritée !

Heureusement, la musique sauve en partie la soirée, la musique défend Wagner. Certes Pablo Heras-Casado ne s’est pas mué en grand chef wagnérien : si la pâte symphonique se déploie plus largement sous sa baguette, même si trop souvent d’une placidité bien peu wagnérienne, il manque surtout, encore une fois, de cette dramaticité, de cette tension qui devrait donner du relief, de la dynamique aux scènes où l’expression théâtrale se nourrit de la musique. Et l’Orchestre de l’Opéra de Paris n’apparait là que comme un écrin quand il devrait être partie prenante, acteur brûlant, partenaire de la vision de Wagner. Pablo Heras-Casado fait le job, dirige l’orchestre mais ne se met jamais en jeu, n’emporte pas, ne soulève pas.

Le Crépuscule des dieux 2026/27 (c) Herwig Prammer / OnP

En revanche, le plateau vocal offre des plaisirs individuels multiples et une satisfaction globale. Trois voix dominent la soirée : d’abord le très impressionnant Hagen de la basse finlandaise Mika Kares, au timbre sombre et admirablement projeté, qui résonne avec une rare autorité. Ensuite le Siegfried du toujours vaillant ténor autrichien Andreas Schager, dont le métal étincelant semble sans limite de ressource, de sa première intervention au Prélude jusqu’à son assassinat et son ultime salut à Brünnhilde au 3^e acte, juste avant l’éclat de sa Marche funèbre. Enfin la Brünnhilde précisément de l’américaine Tamara Wilson, peu aidée visuellement par l’affreuse salopette noire dont elle est affublée durant les trois quarts de la représentation, impose un personnage sans doute moins ardent que d’ordinaire mais dont la couleur claire du timbre donne une jeunesse à la walkyrie amoureuse, que sa longueur de souffle inentamée porte à son acmé dans sa grande péroraison finale. Autour de ces trois piliers vocaux du spectacle, on saluera la Waltraute émouvante d’Eve-Maud Hubeaux, à la ligne ferme et frémissante, aux couleurs mordorées, les trois Nornes, Aude Extrémo, aux graves fuligineux, Marie-Andrée Bouchard-Lesieur, voix souple et bien timbrée, et Sinéad Campbell Wallace, aussi les trois Filles du Rhin, Margarita Polonskaya, dont le soprano semble un filet de soleil luisant dans l’eau, Isabel Signoret et Katharina Magiera. Le Günther de Johannes Martin Kränzle est correct sans plus, sans guère de projection, et l’Alberich de Brian Mulligan en retrait, son « Schläft du mein Sohn » qui ouvre le 3^e acte manquant singulièrement de mordant. Et on n’aura garde d’oublier le Chœur de l’Opéra de Paris, toujours superbement préparé par Ching-Lien Wu, qui offre une belle intervention au 2^e acte.

Au final de ce Ring, la frustration d’une mise en scène totalement ratée, d’un environnement visuel à peu près constamment laid, le regret d’une direction d’orchestre sans pulsation, sans profondeur, sans feu, mais le plaisir d’avoir entendu le plus souvent de grandes voix en adéquation avec cette œuvre qui demeure unique et dont les dernières mesures emportent loin, très loin au-delà des platitudes de notre réel étouffant, vers une forêt sonore à la dimension métaphysique, où se perdre pour mieux espérer se retrouver.

Alain Duault
Paris, 13 novembre 2026

Le Crépuscule des dieux à l'Opéra de Paris, du 13 au 22 novembre 2026